От искусствоведа
«Travel through art
Путешествие сквозь искусство»
Галерея, где вы сейчас находитесь, представляет уникальную коллекцию: в Украине такой больше нет. Она возникла благодаря двум пристрастиям – к путешествиям и искусству разных стран. Первое увлечение стало толчком для второго. Второе воплотилось в обширную коллекцию художественных произведений, насчитывающую сейчас около пятидесяти картин с Аляски, Гватемалы, Кот-д'Ивуара, Ганы, Руанды, Кении, Нигера, Камеруна, Танзании, Мексики, Индии, Непала, Мали, Северной Кореи, Центральноафриканской Республики и Иракского Курдистана… Как рассказывает в своих необычайно живых, интересных, наполненных юмора комментариях автор и владелец коллекции Леонид Хохлович, коллекционирование произведений из стран Азии, Африки и Америки превратилось в увлекательное знакомство с новыми людьми и культурами, а также на постижение разнообразных обычаев, верований и традиций. Каждая картина несет в себе личное открытие неизвестных сторон жизни, а вместе – и художников, которые через искусство пересказывают удивительные истории, где пересекаются авторские фантазии и символы далеких от нас культур…
Как рассказывает коллекционер, произведения в сборник, которые продолжают пополняться с каждым путешествием, он находит в небольших галереях, магазинчиках и базарах. Многие из них написаны неизвестными авторами, но есть здесь и работы знаменитых на художественной сцене мастеров. Среди них – акварелистка Барбара Лавалле (Barbara Lavallee) из США, изучавшая искусство в университете штата Иллинойс, затем преподавала рисование в резервации индейцев племени навахо, а теперь работает в школе коренных жителей Аляски и успешно занимается графикой. В 1991 году она была награждена премией "Золотой змей" от американского Общества детских писателей за выдающиеся достижения в книжной иллюстрации. В своих легких, наполненных милым юмором акварелях, стилистически близких к рисункам для детских книг, она изображает сценки из жизни жителей Севера и забавные сказочные сюжеты.
Две из таких работ – «Новый каспак» (традиционная одежда Аляски, 2008 г.) и «Кошачьи сны» (2012) – представлены в коллекции..
Своя история есть и у автора картины «Продавец тапок» (2018г.) Жана Боско Бакунци (Jean Bosco Bakunzi) из Руанды. Девятилетним мальчиком он потерял родителей во время кровавого геноцида в Руанде в 1994 году. Тогда погибло около миллиона невинных жителей… Интерес к искусству привел подростка в круг местных художников, которые научили парня писать масляными и акриловыми красками. С тех пор его любимыми авторами стали Пикассо, Шагал, Ван Гог. В 2011-м Жан Боско Бакунци переехал в Канаду и теперь его работы экспонируются в разных галереях мира. На этих ярких, декоративных и одновременно экспрессивных, насыщенных красками и движением полотнах художник изображает сюжеты из повседневной жизни, обращает внимание к окружающему миру, увлекает зрителя свободной цветописью и собственной, сугубо индивидуальной интерпретацией западной модернистской живописи.
Художник Исаак Опоку Баду (Isaac Opoku Badu) – один из известнейших современных мастеров Ганы. Учился в местном художественно-промышленном колледже. Темы его картин, получившие международное признание и экспонируемые на многих выставках – природа и люди Африки. Персонажей своих полотен, среди которых животные, птицы, растения, а также портреты людей, он изображает то крупномасштабно, максимально приближая их к зрителю, то фрагментарно кадрируя композицию, то выстраивает ее почти реалистично или с определенной фантастичностью, тщательно воспроизводя детали. Можно ли сравнить его картины с эдаким «наивным гиперреализмом», привлекающим глубоким, детализированным видением повседневной жизни и способностью восхищаться чудесами реального мира? По крайней мере, именно таким представляется в коллекции полотно Опоку Баду «Продавец улиток» (2017р.).
Украшением галереи являются и три картины Мохамеда Васия Чаринды (Mohamed Wasia Charinda, 1947-2021рр.) «Альбиносы», «Мама Танзания», «Зачем нужны сети?» – одного из знаменитых художников Африки, произведения которого хранятся в Британском музее в Лондоне и Этнографическом музее в Гамбурге. Он родился в селении Накапанья на юге Танзании, окончил начальную школу, рисовал с 1975 года. Благодаря своему учителю, местному художнику Хашиму Мруту, Мохамед научился писать в стиле Тингатинга, став одним из его самых известных представителей. Вид этой живописи был основан в 1960-е годы танзанийским художником Эдуардо Тингатинга (1932-1972 гг.), писавшим эмалевыми автомобильными красками на плоском условном фоне. Традиционными сюжетами картин были изображения зверей, птиц и силуэты людей. Такой стиль получил распространение и привлек многих последователей. Первые картины создавались на картоне и оргалите, а с 1989 года начали писать и на холсте. Кстати, считается, что именно Чаринда ввел в практику это новшество. 1970-е годы были взлетом для живописи в стиле тингантинга, с того времени это искусство экспонировалось на многих выставках в Африке, Европе, Азии и Америке. Вместе с тем, стиль получил государственную поддержку и стал «визитной карточкой» Танзании. Но традиция не стоит на месте, и каждый новый художник придает ей новые черты, образы, стилистические приемы и цвета. Таковы и произведения Мохамеда Васия Чаринды… Он изображает диких зверей, сцены из повседневной жизни, сюжеты африканской мифологии, сказок и легенд в виде своеобразных комиксов, которые раскрывают повествование во множестве выразительных, а благодаря особенностям его рисования, и гротескных деталях. Мир его картин объединяет разные временные измерения: прошлое, настоящее, будущее, правдоподобное и придуманное, реальное и фантастическое. Изображения сплетаются в почти орнаментальные структуры, очаровывают причудливым сюжетом и изысканностью цветно-ритмичного построения.
Многие полотна в коллекции не подписаны или принадлежат неизвестным авторам. Обычно подобные работы, как и работы Чаринды, называют современным народным искусством и определяют, как «примитивное» или «наивное». К этому стилю относят мастеров, не получивших системного профессионального художественного образования. Интерес к ним, как известно, возник еще в конце XIX века – в начале эпохи модернизма. Произведения наивного искусства или искусства примитива не только прочно заняли позиции в музейных собраниях как один из феноменов модернистской эпохи, но и прочертили в ней показательную тенденцию. В поисках источников для развития изобразительности, модернизм утверждал человеческую индивидуальность и субъективность как главные мировоззренческие категории, отражающие сущностные изменения в обществе. Тогда общие процессы демократизации способствовали присоединению к культурообразованию широких масс, которые до того времени «не учитывались» ни как авторы, ни как потребители художественной продукции, но теперь составили многочисленную зрительскую аудиторию. И как раз наново кодируя устоявшиеся эстетические ценности с «прекрасного» и «гармоничного» на «выразительное», «оригинальное» и «своеобразное», модернизм часто находил новые образно-художественные идеалы в тех сферах творчества, которые существовали вне академических канонов и официальных стереотипов «высокой культуры». «Неученое» творчество придавало в этом плане те самобытные прототипы авторского самовыражения, где открытый взгляд на мир сочетается с естественной экспрессивностью, а фантазия художника очерчивает его особую образность, в которой сложно пересекаются отдельно взятый человеческий опыт и архетипы «коллективной бессознательности». С тех пор произведения великих примитивистов, таких как А. Руссо, Н. Пиросманишвили, Серафины Луи, Г. Собачко, Н. Дровняка, М. Примаченко, К. Белокур и другие вошли в историю искусства, заполнили музейные залы и выставки. Наивное искусство стало устойчивым объектом для искусствоведческих исследований и музейного коллекционирования, сферой профессиональных дискуссий и научных исследований. Можно сказать, что именно «наивный художник» с его естественной индивидуальностью, яркой самобытностью мироощущения, который самоутверждается вопреки обстоятельствам, оказался одним из героев переполненный кризисов и потрясений ХХ века. Сегодня, в условиях стремительных глобализационных процессов и всеобщей «перезагрузки» культуры, где на смену противостоянию «высокого» и «низкого», «массового» и «элитарного» приходит дискуссия между авторским, индивидуальным и популярным, тема «наивного художника в современном мире» меняет свои измерения, но не теряет актуальности. Главное содержание этого искусства – личная одаренность художника и настойчивая потребность выражать себя через художественные образы, что значительнее и сильнее обстоятельств жизни и судьбы, способная преодолевать бытовые преграды, выводить человека в мир творчества. Этот самобытный мир, наполненный искренностью и непосредственностью, так откликается в этом искусстве. Ведь здесь границ между художником и зрителем почти не существует, а произведения, прежде всего, являются «портретами» самих авторов, незаурядная индивидуальность которых покоряет и очаровывает.
Несравненность, оригинальность, новый опыт и мироощущение раскрываются и через обращение к неевропейским культурам, поражающим западный мир силой своей приветливости, пластичной выразительностью и символизмом… Да, жизнь на Гаити изменила и внесла значительный вклад в живопись Поля Гогена. Искусство Туниса вошло в творчество Пауля Клее. Одно из самых влиятельных направлений искусства ХХ века – кубизм – возникло под значительным влиянием африканской скульптуры. Знаковой для творческого поиска Эмиля Нольде стала поездка в Африку и Океанию, где искусство поразило его ощущением первоначала человеческого бытия, архетипичностью символов и синтетичностью мышления… Искусство ХХ века разрушало границы между культурами, объединяя мир образной креативностью.
Новый смысл и ракурс приобрела эта тема во время современной медиакоммуникации. Как констатируют искусствоведы, сегодня происходит смещение культурных центров, где страны Азии и Африки все чаще забирают пальму первенства у Европы, а искусство и художники из этих стран занимают почетные места на мировых форумах. Без искусства Африки, Азии и Латинской Америки не обходится теперь ни одна международная ярмарка или аукцион. Музеи искусства Африки и Востока открываются в Европе и США, а музеи современного искусства – в странах Африки и Востока. Современное мировое искусство находится на новом этапе развития культуры, «переформатирует» представление о художественности и само понимание эстетического, отвергая устоявшиеся определения, вовлекая в художественное пространство самые разные средства образного выражения. В большом художественном мире, пронизанном коммуникациями и связями, все сложнее говорить об «аутсайдерах» или «наивных художниках». Не случайно наряду с этими определениями появляются новые, как, например, contemporary folk art – современное народное искусство, или self-taught art – искусство самоучек. Современная культура отмечает равноправие каждого человеческого голоса, каждой креативности, несущей в себе смысл, выразительность, энергию.
Теперь искусство бывших стран «третьего мира» не просто «питает» художников Запада, оно становится равнозначным и полноценным участником художественной сцены. Стоит упомянуть знаковую выставку «Чары земли» 1989 года в Центре Жоржа Помпиду и Гранд-аль в парке Ла-Вилетт в Париже. Ее куратор Жан-Юбер Мартен превратил экспозицию в мощное постколониальное художественное выражение и начал процесс привлечения к полноправному участию представителей неизвестных ранее регионов художественной карты мира. Ведь долгое время искусство Африки и Азии вообще интерпретировалось Западом как этнография и фольклор. Здесь же куратор концептуально представил «не западных» художников равными западным, нашел в искусстве разных континентов общие темы. Благодаря Мартену бывшие маргиналы стали мировыми звездами. Зрелищное, эмоциональное, яркое, наполненное жизненной силой искусство Африки, Азии, Латинской Америки становится актуальной и значимой составляющей глобального художественного мира.
Разрушение западных стереотипов касательно искусства колониальных стран стало сквозной идеей деятельности известного куратора, критика и искусствоведа нигерийца по происхождению Окуи Энвезора (1963-2019 гг.). Начиная с выставки фотографий «In/Sight: AfricanPhotographers, 1940–Present» в музее Гугенхайма в Нью-Йорке и биеннале искусства в Йоханнесбурге в 1996 году, на международном форуме современного искусства «Документа» в 2002 году в Касселе и триеннале современного искусства в Париже в 2012-м году, Энвезор настойчиво распространял мысль о разнонаправленности искусства, изменении оптики его восприятия, что позволяет представить его продвижение многоцентровым, которое не подвержено разделению на первый, второй и третий миры. Происходящие на планете изменения под влиянием новых технологий, глобализации и новых коммуникаций не просто входят в патриархальный мир народов, племен, стран, несут с собой неоднозначные последствия, но и втягивают в мировую цивилизационную сеть самые отдаленные места, заставляют переосмыслить культурное пространство, увидеть и оценить его составляющие.
Через искусство человечество учится понимать себя и друг друга, преодолевать стереотипы и открывать новые горизонты видения жизни. Так в современную культуру входят новые голоса, на своих языках повествующие удивительные истории. Это многоголосие звучит и в коллекции Леонида Хохловича. Ее сложно структурировать по какому-либо определенному принципу. Каждое произведение – самобытное, оно увлекает неповторимостью своих образов, которые могут прорастать из местных традиций или неожиданно совмещать широкий круг художественных направлений…
Картина гватемальской художницы Angelina Quic Ixtaner «Рынок Майя» построена через «взгляд сверху», что превращает шумный индейский базар с торговцами и покупателями, птицей и свиньями, зерном и фасолью в яркий орнамент. На этих полотнах человеческие фигуры в цветных нарядах изображены вместе с золотистыми круглыми плетеными корзинами, сверху похожими на сияющие солнца. Именно вокруг них и происходит действие. Они сплетаются в единое целое, наполненное общим ритмом и энергией… Точность рисунка, структурное сочетание цветных пятен, реального и условного напоминают произведения Хосе Ороско и Диего Риверы, опиравшиеся на традиционное искусство Мексики, образы и эстетику индейских народов. Живопись Angelina Quic Ixtaner входит в эту традицию, обогащая ее оригинальностью авторской точки зрения.
…Совсем другую историю рассказывает картина художника по имени Mouss из Кот-д’Ивуара «В этот день им не повезло!» (2016). Здесь тоже изображена сцена на базаре, но совсем другая. Полицейская машина врезается в толпу и наталкивается на столб… Люди вокруг обескуражены и напуганы, зелеными мячиками падают на землю плоды из перевернутой корзины. Наивное «детское» рисование автора подробно фиксирует и льющуюся из головы полицейского кровь, и высунутый от испуга язык, и движения мужчин, женщин и детей из толпы. Неожиданную ироническую ноту вносит в картину плакат с надписью на французском языке: «Guerrison au nom du Christ sur place» – «Исцеление во имя Христа на месте». Реалии современной жизни бывшей колонии, а теперь независимой страны, которая страдает от собственной коррупцией и постоянных национально-религиозных и политических противостояний, возникают здесь в непосредственности авторского видения.
События в Северном Курдистане воспроизводит в своей экспрессивной картине «Зачем вы убиваете нас?» иракский художник курдского происхождения Ростам Зада (Mohamed Salih Rostam Zada, псевдо Namo). Он родился в 1964 году в городе Boken в Иране (беженец из Ирана), учился в художественном колледже в г. Эрбиль, где теперь преподает. Его произведения – живопись и художественные объекты, интерпретирующие традиции и реалии жизни Курдистана на языке современного искусства на местных региональных выставках. Картина «Зачем вы убиваете нас?» посвящена страданию курдского народа. Ее образность существует на грани абстрактного и предметного, условности живописи и конкретности чувства и действенного импульса, ставшего основой произведения. Сделанная от руки надпись, подчеркивает ее социальное содержание.
Портрет, а точнее образ юной невесты в традиционном наряде изобразила в своей картине (2018г.) художница Ким из Северной Кореи. За ритуалом она протягивает родителям жениха церемониальную чашу в знак уважения. С почти натуралистической точностью изображает художница и разноцветный костюм, и циновки на полу, и расписные ширмы в интерьере. Словно фарфоровыми красками пишет она прекрасное лицо девушки, воплощающей идеальные представления народа о женской красоте.
Таким обазом, коллекция Леонида Хохловича открывает своеобразное окно, а точнее разноцветные окна, в необычный мир далеких от нас стран, со своими народными обычаями и реалиями общественной жизни, природой и ярким народным бытом, прекрасными женщинами, которые для всех народов являются воплощением жизненной силы и красоты, а их костюмы и украшения – это изысканные, неповторимые произведения искусства… Рассматривая эти произведения, еще раз осознаешь: мир наполнен широким диапазоном голосов и все они достойны внимания и должны быть услышаны. Пространство искусства взаимно проникновенно. Вместе с расстояниями, которые легко можно преодолеть на самолете, преодолеваются границы культур и стран, как соединённые сосуды, наполняют друг друга новыми идеями и творческими импульсами. Так называемое «наивное» и «профессиональное» искусство не разделяют сегодня жесткие стены. Так или иначе, эти направления являются частицами единого культурного пространства, они питают и вдохновляют друг друга. Более того, их диалог выходит за пределы самого искусства, позволяющего заглянуть за грани окружающей жизни, постичь его многомерное пространство, осознать, что в понятие «современности» входят не только унифицированная урбанистика и технологии, но и традиционные формы существования, без которых человечество беднеет и меркнет.
Итак, знакомство с необычайной коллекцией Леонида Хохловича начинается. Она позволяет не только расширить наше понимание мира и искусства, но и научить по-другому воспринимать его красоту. Ведь как написал когда-то великий писатель и знаток человеческих душ Марсель Пруст: «Настоящее открытие в путешествии заключается не в том, чтобы увидеть новые пейзажи, а в том, чтобы обрести новые глаза.»
Галина Скляренко – старший научный сотрудник отдела изобразительного искусства ИИФЭ им. М. Рыльского НАНУ, кандидат искусствоведения, доцент, член Национального союза художников Украины
Путешествие сквозь искусство»
Галерея, где вы сейчас находитесь, представляет уникальную коллекцию: в Украине такой больше нет. Она возникла благодаря двум пристрастиям – к путешествиям и искусству разных стран. Первое увлечение стало толчком для второго. Второе воплотилось в обширную коллекцию художественных произведений, насчитывающую сейчас около пятидесяти картин с Аляски, Гватемалы, Кот-д'Ивуара, Ганы, Руанды, Кении, Нигера, Камеруна, Танзании, Мексики, Индии, Непала, Мали, Северной Кореи, Центральноафриканской Республики и Иракского Курдистана… Как рассказывает в своих необычайно живых, интересных, наполненных юмора комментариях автор и владелец коллекции Леонид Хохлович, коллекционирование произведений из стран Азии, Африки и Америки превратилось в увлекательное знакомство с новыми людьми и культурами, а также на постижение разнообразных обычаев, верований и традиций. Каждая картина несет в себе личное открытие неизвестных сторон жизни, а вместе – и художников, которые через искусство пересказывают удивительные истории, где пересекаются авторские фантазии и символы далеких от нас культур…
Как рассказывает коллекционер, произведения в сборник, которые продолжают пополняться с каждым путешествием, он находит в небольших галереях, магазинчиках и базарах. Многие из них написаны неизвестными авторами, но есть здесь и работы знаменитых на художественной сцене мастеров. Среди них – акварелистка Барбара Лавалле (Barbara Lavallee) из США, изучавшая искусство в университете штата Иллинойс, затем преподавала рисование в резервации индейцев племени навахо, а теперь работает в школе коренных жителей Аляски и успешно занимается графикой. В 1991 году она была награждена премией "Золотой змей" от американского Общества детских писателей за выдающиеся достижения в книжной иллюстрации. В своих легких, наполненных милым юмором акварелях, стилистически близких к рисункам для детских книг, она изображает сценки из жизни жителей Севера и забавные сказочные сюжеты.
Две из таких работ – «Новый каспак» (традиционная одежда Аляски, 2008 г.) и «Кошачьи сны» (2012) – представлены в коллекции..
Своя история есть и у автора картины «Продавец тапок» (2018г.) Жана Боско Бакунци (Jean Bosco Bakunzi) из Руанды. Девятилетним мальчиком он потерял родителей во время кровавого геноцида в Руанде в 1994 году. Тогда погибло около миллиона невинных жителей… Интерес к искусству привел подростка в круг местных художников, которые научили парня писать масляными и акриловыми красками. С тех пор его любимыми авторами стали Пикассо, Шагал, Ван Гог. В 2011-м Жан Боско Бакунци переехал в Канаду и теперь его работы экспонируются в разных галереях мира. На этих ярких, декоративных и одновременно экспрессивных, насыщенных красками и движением полотнах художник изображает сюжеты из повседневной жизни, обращает внимание к окружающему миру, увлекает зрителя свободной цветописью и собственной, сугубо индивидуальной интерпретацией западной модернистской живописи.
Художник Исаак Опоку Баду (Isaac Opoku Badu) – один из известнейших современных мастеров Ганы. Учился в местном художественно-промышленном колледже. Темы его картин, получившие международное признание и экспонируемые на многих выставках – природа и люди Африки. Персонажей своих полотен, среди которых животные, птицы, растения, а также портреты людей, он изображает то крупномасштабно, максимально приближая их к зрителю, то фрагментарно кадрируя композицию, то выстраивает ее почти реалистично или с определенной фантастичностью, тщательно воспроизводя детали. Можно ли сравнить его картины с эдаким «наивным гиперреализмом», привлекающим глубоким, детализированным видением повседневной жизни и способностью восхищаться чудесами реального мира? По крайней мере, именно таким представляется в коллекции полотно Опоку Баду «Продавец улиток» (2017р.).
Украшением галереи являются и три картины Мохамеда Васия Чаринды (Mohamed Wasia Charinda, 1947-2021рр.) «Альбиносы», «Мама Танзания», «Зачем нужны сети?» – одного из знаменитых художников Африки, произведения которого хранятся в Британском музее в Лондоне и Этнографическом музее в Гамбурге. Он родился в селении Накапанья на юге Танзании, окончил начальную школу, рисовал с 1975 года. Благодаря своему учителю, местному художнику Хашиму Мруту, Мохамед научился писать в стиле Тингатинга, став одним из его самых известных представителей. Вид этой живописи был основан в 1960-е годы танзанийским художником Эдуардо Тингатинга (1932-1972 гг.), писавшим эмалевыми автомобильными красками на плоском условном фоне. Традиционными сюжетами картин были изображения зверей, птиц и силуэты людей. Такой стиль получил распространение и привлек многих последователей. Первые картины создавались на картоне и оргалите, а с 1989 года начали писать и на холсте. Кстати, считается, что именно Чаринда ввел в практику это новшество. 1970-е годы были взлетом для живописи в стиле тингантинга, с того времени это искусство экспонировалось на многих выставках в Африке, Европе, Азии и Америке. Вместе с тем, стиль получил государственную поддержку и стал «визитной карточкой» Танзании. Но традиция не стоит на месте, и каждый новый художник придает ей новые черты, образы, стилистические приемы и цвета. Таковы и произведения Мохамеда Васия Чаринды… Он изображает диких зверей, сцены из повседневной жизни, сюжеты африканской мифологии, сказок и легенд в виде своеобразных комиксов, которые раскрывают повествование во множестве выразительных, а благодаря особенностям его рисования, и гротескных деталях. Мир его картин объединяет разные временные измерения: прошлое, настоящее, будущее, правдоподобное и придуманное, реальное и фантастическое. Изображения сплетаются в почти орнаментальные структуры, очаровывают причудливым сюжетом и изысканностью цветно-ритмичного построения.
Многие полотна в коллекции не подписаны или принадлежат неизвестным авторам. Обычно подобные работы, как и работы Чаринды, называют современным народным искусством и определяют, как «примитивное» или «наивное». К этому стилю относят мастеров, не получивших системного профессионального художественного образования. Интерес к ним, как известно, возник еще в конце XIX века – в начале эпохи модернизма. Произведения наивного искусства или искусства примитива не только прочно заняли позиции в музейных собраниях как один из феноменов модернистской эпохи, но и прочертили в ней показательную тенденцию. В поисках источников для развития изобразительности, модернизм утверждал человеческую индивидуальность и субъективность как главные мировоззренческие категории, отражающие сущностные изменения в обществе. Тогда общие процессы демократизации способствовали присоединению к культурообразованию широких масс, которые до того времени «не учитывались» ни как авторы, ни как потребители художественной продукции, но теперь составили многочисленную зрительскую аудиторию. И как раз наново кодируя устоявшиеся эстетические ценности с «прекрасного» и «гармоничного» на «выразительное», «оригинальное» и «своеобразное», модернизм часто находил новые образно-художественные идеалы в тех сферах творчества, которые существовали вне академических канонов и официальных стереотипов «высокой культуры». «Неученое» творчество придавало в этом плане те самобытные прототипы авторского самовыражения, где открытый взгляд на мир сочетается с естественной экспрессивностью, а фантазия художника очерчивает его особую образность, в которой сложно пересекаются отдельно взятый человеческий опыт и архетипы «коллективной бессознательности». С тех пор произведения великих примитивистов, таких как А. Руссо, Н. Пиросманишвили, Серафины Луи, Г. Собачко, Н. Дровняка, М. Примаченко, К. Белокур и другие вошли в историю искусства, заполнили музейные залы и выставки. Наивное искусство стало устойчивым объектом для искусствоведческих исследований и музейного коллекционирования, сферой профессиональных дискуссий и научных исследований. Можно сказать, что именно «наивный художник» с его естественной индивидуальностью, яркой самобытностью мироощущения, который самоутверждается вопреки обстоятельствам, оказался одним из героев переполненный кризисов и потрясений ХХ века. Сегодня, в условиях стремительных глобализационных процессов и всеобщей «перезагрузки» культуры, где на смену противостоянию «высокого» и «низкого», «массового» и «элитарного» приходит дискуссия между авторским, индивидуальным и популярным, тема «наивного художника в современном мире» меняет свои измерения, но не теряет актуальности. Главное содержание этого искусства – личная одаренность художника и настойчивая потребность выражать себя через художественные образы, что значительнее и сильнее обстоятельств жизни и судьбы, способная преодолевать бытовые преграды, выводить человека в мир творчества. Этот самобытный мир, наполненный искренностью и непосредственностью, так откликается в этом искусстве. Ведь здесь границ между художником и зрителем почти не существует, а произведения, прежде всего, являются «портретами» самих авторов, незаурядная индивидуальность которых покоряет и очаровывает.
Несравненность, оригинальность, новый опыт и мироощущение раскрываются и через обращение к неевропейским культурам, поражающим западный мир силой своей приветливости, пластичной выразительностью и символизмом… Да, жизнь на Гаити изменила и внесла значительный вклад в живопись Поля Гогена. Искусство Туниса вошло в творчество Пауля Клее. Одно из самых влиятельных направлений искусства ХХ века – кубизм – возникло под значительным влиянием африканской скульптуры. Знаковой для творческого поиска Эмиля Нольде стала поездка в Африку и Океанию, где искусство поразило его ощущением первоначала человеческого бытия, архетипичностью символов и синтетичностью мышления… Искусство ХХ века разрушало границы между культурами, объединяя мир образной креативностью.
Новый смысл и ракурс приобрела эта тема во время современной медиакоммуникации. Как констатируют искусствоведы, сегодня происходит смещение культурных центров, где страны Азии и Африки все чаще забирают пальму первенства у Европы, а искусство и художники из этих стран занимают почетные места на мировых форумах. Без искусства Африки, Азии и Латинской Америки не обходится теперь ни одна международная ярмарка или аукцион. Музеи искусства Африки и Востока открываются в Европе и США, а музеи современного искусства – в странах Африки и Востока. Современное мировое искусство находится на новом этапе развития культуры, «переформатирует» представление о художественности и само понимание эстетического, отвергая устоявшиеся определения, вовлекая в художественное пространство самые разные средства образного выражения. В большом художественном мире, пронизанном коммуникациями и связями, все сложнее говорить об «аутсайдерах» или «наивных художниках». Не случайно наряду с этими определениями появляются новые, как, например, contemporary folk art – современное народное искусство, или self-taught art – искусство самоучек. Современная культура отмечает равноправие каждого человеческого голоса, каждой креативности, несущей в себе смысл, выразительность, энергию.
Теперь искусство бывших стран «третьего мира» не просто «питает» художников Запада, оно становится равнозначным и полноценным участником художественной сцены. Стоит упомянуть знаковую выставку «Чары земли» 1989 года в Центре Жоржа Помпиду и Гранд-аль в парке Ла-Вилетт в Париже. Ее куратор Жан-Юбер Мартен превратил экспозицию в мощное постколониальное художественное выражение и начал процесс привлечения к полноправному участию представителей неизвестных ранее регионов художественной карты мира. Ведь долгое время искусство Африки и Азии вообще интерпретировалось Западом как этнография и фольклор. Здесь же куратор концептуально представил «не западных» художников равными западным, нашел в искусстве разных континентов общие темы. Благодаря Мартену бывшие маргиналы стали мировыми звездами. Зрелищное, эмоциональное, яркое, наполненное жизненной силой искусство Африки, Азии, Латинской Америки становится актуальной и значимой составляющей глобального художественного мира.
Разрушение западных стереотипов касательно искусства колониальных стран стало сквозной идеей деятельности известного куратора, критика и искусствоведа нигерийца по происхождению Окуи Энвезора (1963-2019 гг.). Начиная с выставки фотографий «In/Sight: AfricanPhotographers, 1940–Present» в музее Гугенхайма в Нью-Йорке и биеннале искусства в Йоханнесбурге в 1996 году, на международном форуме современного искусства «Документа» в 2002 году в Касселе и триеннале современного искусства в Париже в 2012-м году, Энвезор настойчиво распространял мысль о разнонаправленности искусства, изменении оптики его восприятия, что позволяет представить его продвижение многоцентровым, которое не подвержено разделению на первый, второй и третий миры. Происходящие на планете изменения под влиянием новых технологий, глобализации и новых коммуникаций не просто входят в патриархальный мир народов, племен, стран, несут с собой неоднозначные последствия, но и втягивают в мировую цивилизационную сеть самые отдаленные места, заставляют переосмыслить культурное пространство, увидеть и оценить его составляющие.
Через искусство человечество учится понимать себя и друг друга, преодолевать стереотипы и открывать новые горизонты видения жизни. Так в современную культуру входят новые голоса, на своих языках повествующие удивительные истории. Это многоголосие звучит и в коллекции Леонида Хохловича. Ее сложно структурировать по какому-либо определенному принципу. Каждое произведение – самобытное, оно увлекает неповторимостью своих образов, которые могут прорастать из местных традиций или неожиданно совмещать широкий круг художественных направлений…
Картина гватемальской художницы Angelina Quic Ixtaner «Рынок Майя» построена через «взгляд сверху», что превращает шумный индейский базар с торговцами и покупателями, птицей и свиньями, зерном и фасолью в яркий орнамент. На этих полотнах человеческие фигуры в цветных нарядах изображены вместе с золотистыми круглыми плетеными корзинами, сверху похожими на сияющие солнца. Именно вокруг них и происходит действие. Они сплетаются в единое целое, наполненное общим ритмом и энергией… Точность рисунка, структурное сочетание цветных пятен, реального и условного напоминают произведения Хосе Ороско и Диего Риверы, опиравшиеся на традиционное искусство Мексики, образы и эстетику индейских народов. Живопись Angelina Quic Ixtaner входит в эту традицию, обогащая ее оригинальностью авторской точки зрения.
…Совсем другую историю рассказывает картина художника по имени Mouss из Кот-д’Ивуара «В этот день им не повезло!» (2016). Здесь тоже изображена сцена на базаре, но совсем другая. Полицейская машина врезается в толпу и наталкивается на столб… Люди вокруг обескуражены и напуганы, зелеными мячиками падают на землю плоды из перевернутой корзины. Наивное «детское» рисование автора подробно фиксирует и льющуюся из головы полицейского кровь, и высунутый от испуга язык, и движения мужчин, женщин и детей из толпы. Неожиданную ироническую ноту вносит в картину плакат с надписью на французском языке: «Guerrison au nom du Christ sur place» – «Исцеление во имя Христа на месте». Реалии современной жизни бывшей колонии, а теперь независимой страны, которая страдает от собственной коррупцией и постоянных национально-религиозных и политических противостояний, возникают здесь в непосредственности авторского видения.
События в Северном Курдистане воспроизводит в своей экспрессивной картине «Зачем вы убиваете нас?» иракский художник курдского происхождения Ростам Зада (Mohamed Salih Rostam Zada, псевдо Namo). Он родился в 1964 году в городе Boken в Иране (беженец из Ирана), учился в художественном колледже в г. Эрбиль, где теперь преподает. Его произведения – живопись и художественные объекты, интерпретирующие традиции и реалии жизни Курдистана на языке современного искусства на местных региональных выставках. Картина «Зачем вы убиваете нас?» посвящена страданию курдского народа. Ее образность существует на грани абстрактного и предметного, условности живописи и конкретности чувства и действенного импульса, ставшего основой произведения. Сделанная от руки надпись, подчеркивает ее социальное содержание.
Портрет, а точнее образ юной невесты в традиционном наряде изобразила в своей картине (2018г.) художница Ким из Северной Кореи. За ритуалом она протягивает родителям жениха церемониальную чашу в знак уважения. С почти натуралистической точностью изображает художница и разноцветный костюм, и циновки на полу, и расписные ширмы в интерьере. Словно фарфоровыми красками пишет она прекрасное лицо девушки, воплощающей идеальные представления народа о женской красоте.
Таким обазом, коллекция Леонида Хохловича открывает своеобразное окно, а точнее разноцветные окна, в необычный мир далеких от нас стран, со своими народными обычаями и реалиями общественной жизни, природой и ярким народным бытом, прекрасными женщинами, которые для всех народов являются воплощением жизненной силы и красоты, а их костюмы и украшения – это изысканные, неповторимые произведения искусства… Рассматривая эти произведения, еще раз осознаешь: мир наполнен широким диапазоном голосов и все они достойны внимания и должны быть услышаны. Пространство искусства взаимно проникновенно. Вместе с расстояниями, которые легко можно преодолеть на самолете, преодолеваются границы культур и стран, как соединённые сосуды, наполняют друг друга новыми идеями и творческими импульсами. Так называемое «наивное» и «профессиональное» искусство не разделяют сегодня жесткие стены. Так или иначе, эти направления являются частицами единого культурного пространства, они питают и вдохновляют друг друга. Более того, их диалог выходит за пределы самого искусства, позволяющего заглянуть за грани окружающей жизни, постичь его многомерное пространство, осознать, что в понятие «современности» входят не только унифицированная урбанистика и технологии, но и традиционные формы существования, без которых человечество беднеет и меркнет.
Итак, знакомство с необычайной коллекцией Леонида Хохловича начинается. Она позволяет не только расширить наше понимание мира и искусства, но и научить по-другому воспринимать его красоту. Ведь как написал когда-то великий писатель и знаток человеческих душ Марсель Пруст: «Настоящее открытие в путешествии заключается не в том, чтобы увидеть новые пейзажи, а в том, чтобы обрести новые глаза.»
Галина Скляренко – старший научный сотрудник отдела изобразительного искусства ИИФЭ им. М. Рыльского НАНУ, кандидат искусствоведения, доцент, член Национального союза художников Украины